2013 Pedagogía crítica y Caipiriñha: creando flujos de resistencia regenerativa

Cuando casi parecía que en Madrid era ya primavera, la Fundación Fuhem Educación y el Círculo de Bellas Artes de Madrid juntaron esfuerzos para organizar la quinta edición de las Jornadas Arte, Educación y Ciudadanía un encuentro para los interesados en la educación artística que en esta edición se ha focalizado en como las producciones visuales constituyen una herramienta indispensable en el aula para desarrollar una de las competencias más necesarias en un mundo saturado de imágenes y de miedo: el espíritu crítico, la sospecha, el volver a leer.

Unas jornadas que ofertaban talleres, charlas y una exposición en el que docentes de diferentes procedencias compartimos el trabajo que desarrollamos para convertir la educación de las artes visuales en una práctica contemporánea. Me parece muy importante señalar que el motor de las jornadas es la Fundación Fuhem, organismo que agrupa una serie de instituciones educativas que constituyen en Madrid la cabeza de lanza de una pedagogía crítica y comprometida, organismo que constituye la excepción dentro de la educación obsoleta, rancia y profundamente tóxica fomentada por las políticas educativas de la Comunidad de Madrid. Dentro del contexto de la educación no pública, los centros de la FUHEM y un puñado más de instituciones trabajan en nuestra querida ciudad HACIENDO RESISTENCIA, constituyendo la alternativa a las prácticas tóxicas que, amparadas por los consecutivos triunfos en las urnas del Partido Popular, están perpetrando el asesinato de la enseñanza progresista tanto pública como no pública así como de todo aquello que defiendo con mi trabajo. En este contexto desolador, la FUHEM lucha y lucha regenerativamente construyendo este tipo de actos para visibilizar quienes luchamos en Madrid por otra pedagogía.

Gracias  a las nuevas tecnologías puede participar en este evento junto con Clara Megías y otros miembros de Pedagogías Invisibles. Clara y yo organizamos la charla ¿Estoy artista o estoy profesora? Utilizando el arte contemporáneo como formato pedagógico. En nuestra propuesta quisimos trabajar varias ideas siendo la primera la del profesor como productor cultural, como intelectual transformativo, como agente político capaz de realizar día a día micro revoluciones mediante las que transformar la sociedad. Quisimos visualizar la idea de esta producción como remezcla así como la demanda de la creatividad como una de las principales competencias del docente rEDUvolucionario.  En segundo lugar, discutimos la necesidad de trasformar el simulacro pedagógico en experiencias vividas en primera persona, tangibles y emocionantes para lo cual la narratividad y la participación son necesarias. Por todo lo anterior, consideramos que el arte contemporáneo es la herramienta ideal lo que ilustramos con ejemplos tanto de nuestro trabajo como con el de otros colegas como Lucía Sánchez o Jordi Canudas (por poner ejemplos desde la ESO y desde los colectivos con capacidades espaciales).

Solo tres días más tarde tuvo lugar otro evento regenerativo Caipirinha: creando flujos de investigaciones efervescentes entre España y Brasil. Tras la experiencia Edupunk y posmodernidad: ¿son necesarios los doctorados en tiempos de Facebook? (en la que compartimos ideas con Alejandro Piscitelli) y Guacamole: construcciones rizomáticas (en la que elaboramos de forma colaborativa con Alejandro Bolaños el currículum de arte de la región de Chiapas, México), Pedagogías Invisibles ha organizado Caipirinha: creando flujos de investigaciones efervescentes entre España y Brasil para compartir conocimientos con una organización muy similar a la nuestra llamada GEARTE, un grupo de investigación sobre educación artística de la Facultad de Educación de la Universidad Federal del Rio Grande del Sur, Brasil. 

Analice Dutra, coordinadora de este grupo nos habló por que sus intereses persiguen utilizar las artes visuales para empoderar a las niñas y niños económicamente menos favorecidos y quienes quedan muchas veces al margen de las instituciones formales. Situó a Ana Mae Barbosa, (probablemente la pedagoga brasileña más en consonancia con una educación artística contemporánea) como impulsora del grupo y la inclusión de sus prácticas dentro de lo que conocemos como Educación Artística para la Justicia Social. Analice funda en 1997 GEARTE para desarrollar actividades que relacionen la educación y el arte con otras áreas como la semiótica discursiva, la cultura visual, la estética, la historia y la critica del arte. 

Caipirinha es claramente el comienzo de una larga amistad con GEARTE, con investigadores y activistas que comparten con nosotros (Pedagogías Invisibles) una forma contemporánea, práctica y crítica de entender la educación. Como con los centros de la Fuhem, nos sentimos muy cerca y compartimos la necesidad de unirnos y contaminarnos para poder transformar la sociedad un lugar más simétrico.  

2012 Cuando las manualidades se transforman en educación artística o por qué la educación artística no son SOLAMENTE manualidades

Cuando en el año 2009 publiqué La educación artística no son manualidades, recibí muchas críticas, reflexiones y sugerencias sobre el contenido de este, mi segundo libro. La mayoría de ellas, se han centrado en la defensa de las manualidades y en la necesidad que tenemos en el área de la educación artística de hacer cosas con la manos y tengo que decir, que me encuentro completamente de acuerdo con esas críticas. Yo ahora mismo estoy utilizando las manos para escribir este post, y también las utilizo cuando doy formatos artísticos a mis clases o cuando hago TIF (Talleres Inesperados en Familia) con mis hijas. Las manos son imprescindibles para miles de cosas, especialmente en educación, así que creo que es buen momento para a explicar que entiendo yo por manualidades y que no es exactamente hacer cosas con las manos si no mas bien, hacer cosas con las manos de determinada manera.

Lo que yo califico con el término manualidades es la creación de un producto visual elaborado bajo tres premisas: proceso, creatividad y conocimiento.

La primera de esas premisas es la idea de proceso, la idea de que cualquier producto necesita de una planificación y de bastante tiempo desde que se diseña hasta que se exhibe. Pensemos en una película, en una pieza de música, en una novela: en estos tres casos los autores han necesitado de mucho tiempo para desarrollar su proceso de creación y creo que, salvo excepciones que siempre existen, nadie puede crear una buena película, sinfonía o novela con poco tiempo.  

Aplicado esta premisa a la educación artística, una constante que he encontrado a lo largo de mi vida es la de que en la clase de plástica la mayoría de los productos, de los ejercicios que diseñamos como profesores, se completan en unos minutos. Las características de nuestra materia, consiguen que diseñemos actividades con técnicas rápidas y vistosas, que secan bien y que el estudiante se puede llevar a su casa inmediatamente. Normalmente en estas actividades, hay una explicación dela técnica, la propuesta de un tema y poco más, de manera que, a través de un currículum nulo que obvia el proceso, los estudiantes aprenden que las obras de arte se generan como por arte de magia: no se necesita pensar, no hay planificación, no hay diferentes fases de producción ni de exhibición. Todo se hace de repente, al momento, ya y esto es lo que les lleva a decir, cuando de adultos ven una pieza de arte contemporáneo “esto lo hago yo” por que nadie les ha enseñando la cantidad de esfuerzo, planificación, tiempo y energía que hay debajo de un pieza aparentemente simple.

La segunda premisa es la creatividad: en muchas de las actividades que encuentro en museos, escuelas, hospitales, la actividad está prefijada y es la técnica el centro y no al revés. En vez de explicar que lo que queremos es realizar tal cosa y elegir la mejor técnica para llevar a cabo dicho proyecto, trabajamos a la inversa: se elije la técnica y se supedita a ella el tema y todo lo de más. Esto conduce a que en muchas aulas me encuentro con hileras de ratones hechos con envases de yogures que son todos exactamente iguales demostrando que la creatividad no forma parte de el acto educativo que se ha producido anteriormente.

Y la tercera es el componente intelectual, en los productos visuales que no están catalogados como manualidades, siempre hay una idea, in concepto, en muchos casos con un claro componente crítico, que proyecta la pieza. En la Naranja mecánica, Kubric nos invita a reflexionar sobre la violencia, en Las meninas Velazquez nos invita a pensar sobre la posición de la monarquía situando a los reyes al fondo del cuadro reflejados en un espejo y Louis Borgois, en su escultura Mamá representa la maternidad de forma muy diferente a como se había presentado hasta el momento: mediante una araña. En estos tres casos nos encontramos con productos visuales con un fuerte componente intelectual que se transmite a través de diferentes combinatorias formales.

La sema del 25 al 28 de Junio Sol y Paz asistieron a un Laboratorio textil contemporáneo diseñado e impartido por Chari Cámara. Durante esos cuatro días se cumplieron las tres premisas que lo alejaron de las manualidades a secas. Para empezar, Chari dividió las actividades en cuatro fases que quedaron reflejadas en un planograma que colgó en la pared. Y entonces:

Día 1: Chari empezó el lab enseñando la obra de diferentes artistas que trabajan con el textil como material principal. El resto del tiempo a se dedicó por completo a la idea, a ver qué se quería transmitir mediante la realización de dos figuras antropomorfas. Sol decidió trabajar con el agua y Paz con su muñeco totémico, Carol, el monstruo protagonista de Donde viven los monstruos de Maurice Sendak llevada posteriormente al cine por Spike Jonzecon el nombre de Where the wild things are. Chari explicó lo que es una metáfora y como las representaciones visuales se llevan a cabo a través de metáforas.

Día 2: el segundo día se dedicó a realizar el boceto y elegir los materiales justificando los colores, formas y la composición para empezar los patrones. Las cuatro horas se pasaron volando viendo con que materiales se transmitirían mejor las ideas a las que se habían llegado en la sesión anterior.

Día 3: el tercer día se dedicó a dar la vuelta a los patrones y rellenar los muñecos con mucha calma y muy despacito….

Día 4: el último día, Sol y paz pudieron colocar sobre los cuerpos de sus muñecos diferentes abalorios que también habían elegido por razones justificadas y enseñárselos a los demás.

La idea de proceso, la creatividad y la idea de que a través del lenguaje visual se cuentan cosas, fueron desarrolladas en una actividad larga, con sus correspondientes fases y sus errores. Utilizamos las manos, la cabeza y otras partes del cuerpo como las piernas y el estómago cuando nos comimos las frutas que Chari traía al Lab. Mis hijas, a demás de tener dos muñecos increíbles, han aprendido a que las cosas cuestan y que hay que darle tiempo al proceso

por que en la educación artística hay que utilizar las manos y…otras cosas 

TesisPis y MIS-M (o cómo realizar 19 tesis doctorales entre 19 personas y cómo seis niños se legitiman como artistas en el CA2M)

Pedagogías Invisibles somos un grupo autogestionado de investigación en educación artística. La mayoría de nuestras investigaciones acabarán teniendo un formato académico por lo que redactaremos, imprimiremos y defenderemos una tesis doctoral. Pero esa parte es de todo el proceso la que menos nos interesa porque lo que realmente defendemos es que la investigación en educación artística es un proceso continuo e inconcluso que ocurre en cualquier momento y en cualquier lugar. Para debatir sobre el estado de nuestras investigaciones nos reunimos de manera frecuente y ayer lo hicimos en el espacio que inauguraba una de nuestras miembras, Julia Rico que abría al público su taller Habitar la línea. 

Las invisibles fuimos llegando y nos sentamos en un círculo en el suelo. Cuando llegué yo, distribuí a cada uno de los presentes un botecito para introducir alguno de nuestros fluidos corporales de manera que poco a poco en el centro de ese círculo se formó una composición variable de botes con contenidos de diferentes colores. Esto ha ocurrido porque hemos decidido dar un formato artístico a cada una de nuestras reuniones de investigación ya que no puede haber cambio de contenidos sin el pertinente cambio de arquitectura fundiendo lo pedagógico con lo artístico y lo artístico con lo investigador. Para hacer una metáfora de todo esto, quisimos apropiarnos de la contundencia de la obra de Andrés Serrano “Pis Christ” con la que en 1987 denunció la marginación de los enfermos de SIDA.  

Los fluidos son sagrados cuando están dentro del cuerpo y se convierten en abyectos cuando llegan al exterior. ¿Pasará lo mismo con nuestras tesis y se considerarán sagradas en la lectura y abyectas una vez leídas? ¿Somos los investigadores en arte y educación seres abyectos? ¿Por qué nuestras tesis no pueden tener un formato visual como las obras de los artistas? ¿Somos artistas, somos profesores o somos investigadores? Ayer intentamos reflexionar sobre muchas de estas preguntas contando el título, el resumen, las palabras clave y la posible fecha de lectura de nuestras investigaciones. Después nos fuimos a cenar y grabamos un vídeo en el que, y por votación popular, decidimos recoger cada uno los fluidos de los demás para reseñar que donde realmente habitan nuestras tesis es en los cambios que producimos en los demás.

Al día siguiente (es decir hoy) hemos ido Sol, Paz, María, Nono, Martín, Olivia, Monsieur Voyage, María Jaque y yo a realizar un taller en el CA2M con la artista Tamara Arroyo. Nada más llagar Tamara y Vito nos han pedido que hiciésemos una puerta que ha servido de presentación. Nos han ofrecido para hacer la puerta un material increíble: una especie de celo de colores muy fácil de pegar y de quitar. Tras explicar cada uno de nosotros para qué servían nuestras puertas (puertas de gigantes, de dinosaurios, para cerdos, para suicidas….) nos hemos dividido en dos grupos y en dos espacios separados y hemos hecho: LA CASA DE LOS FANTASMAS y el MUSEO MIS-M.  

La Casa de los Fantasmas es una obra creada por las artistas Paz Muñoz-Baroja y Olivia Perea en la que, tras la unión de diferentes soportes efímeros, se ha creado una especie de jaima habitada por zombis, esqueletos y otras criaturas de ultratumba. Lo mas interesante de la jaima ha sido el “Armario de los fantasmas” donde quedaban atrapados cada uno de los invitados. El Museo MIS-M (Museo Interactivo y Social de Materiales) es una pieza que albergaba a su vez cuatro subpiezas: María Torrado presentaba dos Maniquiésconlosbrazosabiertos; Martín Perea nos ha dejado boquiabiertos con su Súper Bomba; Sol Muñoz-Baroja había dispuesto en el suelo a Paca, una muñeca hecha con los restos del taller anterior mientras que Nono Torrado hacía una versión de la obra “Una y tres sillas” del artista Joseph Kosuth. Tuiteada como un TIF, esta experiencia ha puesto de relieve una vez más que los únicos que no tienen prejuicios ante el arte actual son las personas de menos de 15 años además de que la creatividad es solo una cuestión de práctica.

Esta semana han sido siete días dedicados a la investigación, dedicados desde proyectos financiados (Esto No es Una Clase), reuniones jocosas (Pedagogías Invisibles) y momentos en familia (CA2M) a reflexionar sobre qué es y qué debería de ser la educación artística hoy. Porque tanto desde la universidad, como desde los centros de arte, como desde el salón de una casa, cambiar el paradigma necesita de la investigación, así como la investigación necesita del cambio de paradigma….

2011 Disruptiendo lo cotidiano (porque no hay nada más subversivo que meterse en un charco ni nada más inusual que trabajar con el arte contemporáneo en la ESO)

Meterse en un charco siempre ha sido algo que a los niños les ha encantado y que en cambio las madres hemos prohibido de manera sistemática. Así que, en nuestro empeño en darles a nuestras hijas una educación disruptiva, en nuestro empeño en reflexionar sobre los procesos de aprendizaje que llevamos a cabo y en nuestro empeño en decidir tras dicha reflexión si es adecuado o no lo que nos dicen que tenemos que hacer para ser “buenos padres”, hemos decidido que había llegado el momento de meterse en el charco.

Lo teníamos fácil porque esta semana no ha parado de llover, así que hemos rellenado una bolsa con materiales cuyo color contrastase con el del barro (esqueletos de erizos de mar, minimonstruos de plástico, pulseras fosforescentes, pinzas de la ropa) y nos hemos ido a dar un paseo.

El propio camino se ha revelado como una fuente inagotable de conocimiento visual, sobre todo cuando Sol se ha dado cuenta del poder de nuestras sombras sobre el asfalto: ante nuestras siluetas hemos vuelto a repensar las diferencias entre la realidad y la representación así como sobre la independencia que nuestras sombras parecían tener con respecto a nosotras, y tanto ha sido esta independencia que nuestras sombras se han puesto a bailar sin que les diésemos permiso……

Cuando por fin hemos encontrado un charco lo suficientemente grande y apetitoso, nos hemos descalzado para construir una ciudad al tiempo que nos empapábamos. A través de los materiales que llevábamos en la bolsa, hemos hilvanado varias historias que ocurrían en la Ciudad de los Charcos: varios animales se han escapado del zoo, unos náufragos han recalado en una isla al tiempo que varios rascacielos crecían sin cesar mientras varios tsunamis asolaban la ciudad….

Todo esto ha ocurrido entre el fin de semana y hoy, pero con anterioridad, otras cosas interesantes han sucedido en relación con la educación artística. La más importante de todas ha sido la creación de un grupo de Facebook desde donde reflexionar sobe los problemas del área de Dibujo o/y de Educación Plástica y Visual en la ESO al que hemos llamado Líneas Paralelas. 

Tageando el aula. Lucía Sánchez

Mis compañeras de Pedagogías Invisibles dedicadas a investigar dentro de este contexto específico y yo, hacía ya tiempo que queríamos dar forma a este proyecto porque los varios miles de profesores que se dedican a las artes y la cultura visual en la ESO están bastante disgregados y no existe una asociación ni ningún otro lugar de encuentro desde donde este colectivo pueda unir sus fuerzas. El día en el que configuramos el grupo ya fueron muchas las adhesiones y el primer tema que propusimos, las razones por las que no se utiliza el arte actual como recurso en la ESO, suscitó 70 comentarios en pocas horas (os pido desde estas líneas que si conocéis a algún profesor o profesora de secundaria de este área de trabajo, le comuniquéis la existencia del grupo).

Sistemas de evaluación performativos en la ESO. Lucía Sánchez

El tema de la educación artística en la ESO es muy importante y está muy olvidado. Otras líneas de investigación aparecen como mas cool o más necesarias, pero consideramos que la única franja de estudio donde, debido a su obligatoriedad, podría ser posible el acercamiento al arte actual de manera no estereotipada, es en la Educación Secundaria Obligatoria. Si la población en general tuviese opción a debatir sobre al arte actual en algún momento de la ESO, seguramente durante el resto de su vida tendría una concepción mucho mas abierta con respecto al arte que se produce justo en el preciso momento que nos ha tocado vivir, que la que se tiene ahora.

Acción performativa en un centro de la ESO. NUBOL

Tenemos mucho trabajo por delante: creo sinceramente que necesitamos ser disruptivos en cosas cotidianas tales como decidir si es necesario o no meterse en un charco o si es necesario o no trabajar con Damien Hirst en clase. Hay que reflexionar sobre lo que nos han enseñado y, en muchos casos, romper con las dinámicas heredadas y abrir otros caminos para que ambas cosas dejen de ser subversivas e inusuales y se conviertan en realidades.

2011 Noruega bien vale varias misas

El equipo formado por Clara Megías, Lucia Sánchez y yo llevamos en Bergen desde el pasado día 10. Hemos sido invitadas por Anne Skaansar, coordinadora de los programas pedagógicos de la Bergen National Academy of the Arts, para implementar un seminario para futuros profesores de secundaria que al final llamamos ¿Por qué los artistas no quieren ser profesores?.  

El primer día nos centramos en el tema de las desigualdades y similitudes entre ambas figuras profesionales para llegar a la conclusión de que hay muchas mas cosas en común que diferencias y que todos somos PRODUCTORES CULTURALES. Ha sido una de nuestras preocupaciones utilizar el arte como formato pedagógico por lo que empezamos utilizando como detonante la tarjeta de identificación que diseñamos y en la que pedimos a los estudiantes que se definieran como artistas o profes y globos rellenos de helio como soporte de visualización de las conclusiones a las que llegaron.

La segunda jornada la dedicamos al EDUPUNK y a pensar en diferentes formas de disruptir la educación tóxica que todavía nos rodea. El proceso de visualización se realizó mediante platos de plástico que dieron forma a rizomas blancos.

Y el tercer y último día lo dedicamos al PLACENTA y, en concreto, a cómo disruptir la evaluación. En este caso organizamos una cata de dulces para que cada estudiante diseñase unos criterios sobre los que establecer una calificación en un intento por demostrar el ABSURDO de los sistemas de evaluación actuales. Tras esta gratificante cata, Lucía Sánchez y Clara Megías hablaron de cómo utilizar el ate contemporáneo en la ESO de manera práctica y empoderadora. Gracias a Anne hemos aprendido varias cosas entre las que destacan que el mejor halago ha de ser una crítica, que hay que equivocarse para llegar a donde uno quiere y que los bollos de canela noruegos son mejores que el salmón. Esperamos volver el año que viene.  

2011 Visiones disruptivas de la educación: mi participación en la sección virtual de Educared 2011

Este año será la cuarta convocatoria de uno de los congresos dedicados al colectivo de enseñanza secundaria más importantes en castellano: Educared 2011. Con el lema Aprender es compartir, la organización pretende crear un foro de encuentro tanto en las sesiones presenciales (20, 21 y 22 de Octubre) como en las no presenciales que tendrán lugar en la web durante todo Septiembre. 

Piscitelli, Pedagogías Invisibles y yo, somos algunos de los interesados en la educación secundaria encargados de aportar ideas y conten(idos) al encuentro. 

Alejandro, yo y otros dos ponentes sin confirmar participaremos en la mesa Visiones disruptivas de la educación donde queremos crear debate entorno al tema de la obsolescencia del sistema educativo y la necesidad de crear nuevos procesos. Como aperitivo a esta mesa, tenéis ya funcionando el Grupo de Discusión Visiones Disruptivas de la Educación en la web del congreso Grupo Discusión Educared donde os podéis apuntar y comentar las 14 Claves de Disrupción Pedagógica que expongo en el vídeo de más arriba. 

Pedagogías Invisibles realizará un taller presencial para aprender a detectar el currículum oculto en el aula y poder transfomar las dinámicas de poder y estamos a la espera de que construyan un grupo de discusión también.

Espero aportar con todo este trabajo herramientas prácticas para poder acometer el cambio en el aula. 

2011 En busca de la AntiTesis

Después de la acalorada ceremonia de desmitificación sobre los protocolos de realización y presentación de las tesis doctorales en España celebrada en Marzo y titulada “Edupunk y universidad: ¿tienen sentido los doctorados en tiempos de Facebook?”, después de realizar tutorías telefónicas y en grupo de las que he dado fe en escritos anteriores, hoy me gustaría hablar de cómo, en los dos días en las que mi compañera de departamento Clara Megías me ha visitado en mi casa frente al mar, hemos diseñado el próximo curso que impartiremos en KHIB (Escuela Nacional de Arte de Bergen), producido un vídeo para Educared así como deconstruido su tesis doctoral. Las herramientas que hemos utilizado en todos los casos han sido los mapas conceptuales y los baños en el mar.

Confirmada mi participación en Educared en la mesa Visiones disruptivas de la educación, la organización me pidió enviar un vídeo con el que trabajar en la parte online del congreso. Para su realización, contamos con la colaboración de Jaume y Marc Arderiú a quienes debo de agradecer el esfuerzo de leventarse temprano y su paciencia. Para todos fue increíble comprobar la de trabajo que lleva editar 5 minutos de vídeo.

Después del momento de producción, Clara y yo hicimos una sesión de tormenta de ideas y nos tiramos por los suelos para diseñar el itenerario del seminario que, junto con Marta García y Lucía Sánchez, impartiremos en Bergen los días 12, 13 y 14 de Septiembre. Bajo el título Why artist don´t want to be teachers?, debatiremos sobre la necesidad de contemplar el trabajo del artista en paralelo con el del profesor y demandar las construcciones de este último como producciones culturales a través de tres perfomances pedagógico artísticas en las que utilizaremos globos, platos de plástico y cebollas.

Para terminar, le dimos un repaso a su Tesis y decidimos hacer una Antitesis dividida en tres versiones: una versión para el tribunal, una segunda versión para ella misma y una última que sería su verdadera contribución a la educación artística y que, con el tiempo, se convertiría en un libro escrito mediante el realismo mágico. Recomendamos por lo tanto bañarse, tirarse por los suelos y comer ajoblanco para trabajar mejor: para llegar a la Antitesis hay que hacer lo contrario a lo que nos dicen que hay que hacer.