2013 Cuando la educación artística definitivamente no son manualidades y cuando no todas las VACAS tienen su San Fermín

Emociones en la niebla

Uno de los pilares de mi trabajo es la defensa del carácter intelectual de la educación artística, algo que vengo visualizando desde hace mucho tiempo y desde diferentes foros como en mi libro La educación artística no son manualidades. En él defiendo que la técnica y lo que se hace exclusivamente con las manos debe de dejar ser el centro de las actividades relacionadas con la educación y las artes visuales, lo cual no quiere decir que hayan de ser suprimidas (esto es importante) sino que más bien tienen que estar en un segundo plano y elegirse en función del trabajo que se va a desarrollar.

Para que un producto visual no sea catalogado de manualidades es necesario realizarlo en base a tres premisas: proceso, creatividad y conocimiento. Proceso, por que cualquier producto necesita planificarse con bastante tiempo desde que se diseña hasta que se exhibe y los productos artísticos también. Solo en contadas ocasiones una obra de arte se completa en media hora que es el tiempo que le damos al proceso muchas veces en las aulas. La segunda premisa es la creatividad: en muchas de las actividades que encuentro en museos, escuelas, hospitales, la actividad está prefijada y es la técnica el centro y no al revés. En vez de explicar que lo que queremos es realizar tal cosa y elegir la mejor técnica para llevar a cabo dicho proyecto, trabajamos a la inversa: se elije la técnica y se supedita a ella el tema y todo lo de más anulando muchas veces los caminos inesperados, de lo que resulta que los trabajos se parece demasiados unos a otros…  Y la tercera premisa es el componente intelectual: en los productos visuales que no están catalogados como manualidades, siempre hay una idea, un concepto, un significado en muchos casos con un claro componente crítico, que proyecta la pieza, la acción y que puede desarrollar repercusiones reales en la vida de los espectadores.

El DO de los objetos

Pero, debido a la extendida creencia de que la educación artística SI son manualidades, me resulta difícil encontrar proyectos mediante los que pueda ejemplificar lo que es una educación artística contemporánea, hasta que di con #LOVA (La Ópera como Vehículo de Aprendizaje) desde donde ideé el proyecto #VACA (Vehiculando el Arte Contemporáneo como proceso de Aprendizaje) cuya idea base es transformar una clase en un colectivo que ha de desarrollar un proyecto de arte contemporáneo durante los nueves meses que dura el curso escolar integrando los diferentes contenidos del currículum en la producción elegida.

Junto con Amaia Urzáin presentamos al Centro Huarte el proyecto que se puso en marcha en septiembre tras un fantástico curso de formación http://mariaacaso.blogspot.com/2012/10/2012-lovas-vacas-tiburones-y-leche.html  donde participaron otros agentes impulsores de una educación artística contemporánea como Bitartean (http://www.bitartean.org/), LOVA (http://www.proyectolova.es/), Nubol (http://nubol.tumblr.com/) o el artista Abel Azcona (http://www.abel-azcona.com/). Tras un curso catártico, muchos de los profesores asistentes se comprometieron a llevar a la práctica un #VACA creando una red entre ellos mismos y Bitartean, el colectivo de educación artística que también ha implementado el proyecto.

Belleza interior

En el desarrollo de esta la primera edición de #VACA han participado 21 centros escolares, con 73 profesores y 63 clases para un total de 1.054 alumnos. De entre todos ellos, 12 centros educativos ha dado forma a la exposición que se inauguro en el Centro Huarte el pasado 14 de Junio con obras y procesos desarrollados por 524 alumnos y 38 docentes que podéis visualizar en la página web del centro http://www.centrohuarte.es/index.php/es/actualidad/noticias/las-aulas-transformadas-en-colectivos-artisticos-con-el-proyecto-vaca. Los proyectos desarrollados ponen de manifiesto todas y cada una de las cuestiones sobre las que hay que abrir debate y efectuar cambios en el terreno de la educación artística. Por ejemplo, el C.P. Buztintxuri (Educación infantil) ha desarrollado una instalación titulada Belleza Interior que toma por tema principal qué entendemos los adultos por belleza y trata de acercándonos un poco más a la visión desestereotipada de la infancia, más preocupada por conceptos vinculados a lo moral que a lo físico. Como tema de trabajo desarrollado por un colectivo de niñas y niños, este proyecto demuestra no solo la importancia de las producciones visuales infantiles estén dotadas de significado crítico sino la potencia y la solidez del conocimiento que generan y que van mucho más allá de un ratón hecho con un envase de yogur…

ura ura ura

En segundo lugar se ha respetado al máximo la idea de proceso de manera que el trabajo expuesto se configura como el resultado de nueve meses de trabajo, los nueve meses en el que el Colegio Público Lorenzo Goicoa (en concreto la clase de 4º A) ha desarrollado Emociones en la Niebla (os recomiendo mucho visitar la web del colectivo http://cargocollective.com/emocionesenlaniebla/Sobre-emociones-en-la-niebla), un proyecto realizado mediante vídeo arte sobre la convivencia diaria en el contexto escolar donde las emociones apenas se tratan de manera que no se tienen en cuenta suficientemente en el currículum escolar. Parece increíble pero fueron los propios niños que formaron el colectivo quienes eligieron este tema que les dio pié a gestionar conflictos, evidenciar por qué no escuchamos a unos y escuchamos demasiado a otros y….demandar la importancia de lo emocional en aulas.

Nadie nos ve

#VACA también ha puesto de manifiesto la importancia del trabajo colaborativo y han desbancado la idea romántica del genio individual que todavía pervive en el imaginario colectivo asociada a la figura del Artista. Los autores de Nadie nos ve, historia de un hormiguero han realizado un proyecto comparativo entre la vida de los hormigueros y la vida de las escuelas o esos edificios llamados escuelas; principal tema de reflexión, análisis y crítica de este colectivo. Durante la gestación del proyecto el docente se ha vuelto invisible, ya que las dinámicas de uso del poder se han invertido y han sido los niños y niñas quienes han tomado las riendas absolutas, decidiendo el tema, el nombre, el formato, el contenido….además de una elaborada INSTALACIÓN: durante la inauguración, las hormigas se presentaron en el museo con unas elegantes antenas que les identificaban como colectivo.

La metodología de trabajo por proyectos (una de las ideas principales de #VACA y uno de los factores que consiguen que la educación artística se transforme en otra cosa) también se aprecia en el proyecto La merendola que pone el énfasis en la manipulación de los gustos de la infancia por los medios de comunicación y la obsesión por los sabores dulces, en especial, las chuches realizado en el CPEIP Doña Mayor de Navarra. 3º Educación Infantil. Grupo B. El proyecto, (tras una profundo análisis  del tipo de alimentos relacionados con las celebraciones infantiles) recrea un festín de golosinas falsas que tienen el mismo aspecto que las de verdad.

La exposición que hasta dentro de poco podéis visitar en el Centro Huarte supone el final del proceso artístico contemporáneo actual, el proceso de legitimación, de manera que los 12 colectivos implicados han comprobado como funciona esta última parte del trabajo artístico en la que el prestigio de la institución posiciona a los artistas implicados en un nivel determinado en el mundo profesional y que muy pocas veces se lleva a cabo con trabajos infantiles (aprovecho para referenciar el proyecto Arte y Escuela  http://artiescola.cat/ coordinado por ACVIC que sigue la línea de #VACA). Y por último, la creatividad es algo implícito en todos los proyectos realizados, cada uno de ellos diferentes, profundos, abiertamente críticos y socialmente transformadores por que, cuando la educación artística se desobjetualiza y la comunidad educativa se implica e ilusiona con nuevos retos, se convierte en una fuerza poderosa capaz de cambiar el mundo.

Larga vida a #VACA!!!! 

  

2012 El profesor como estafador: o cómo llegó hasta mi Joan Foncuberta a través de Amaia Urzain

Los rizomas son raíces que crecen en cualquier parte, incluso en zonas volcánicas y poco transitadas como en el Este de Almería pero, a pesar de la facilidad con la que se multiplican, necesitan ser regados para que comience la re-generación (que no la generación) y ese imput, esa ducha, ese link este mes ha sido un fertilizante vigoroso con un exótico nombre: Amaia Urzain.

Amaia es una de las especialistas en educación artística mas interesantes del panorama hispano de la actualidad. Después de cursar Bellas Artes en Bilbao y trabajar durante diez años como educadora en las mas prestigiosas instituciones museísticas (como el Gugenheim Bilbao y Artium entre otros), realizó el Master en Educación de las Artes Visuales de la UB y en estos momentos es profesora e investigadora en la Universidad de Mondragón. 

Mi primer contacto con ella surgió desde el libro La educación artística no son manualidades, el cual tuve la suerte de que leyera, de manera que nuestra primera conversación y los primeros rizomas que plantamos surgieron también de un libro. A partir de entonces, hemos mantenido correspondencia, nos hemos invitado la una a la otra en diferentes eventos y nos hemos hecho amigas, que es sin duda el mejor fruto que un rizoma puede dar. Y en esto resulta que Amaia ha venido a pasar sus vacaciones muy cerca de donde yo paso las mías y ha venido justo el día de mi cumpleaños….

Si algo tiene Amaia es que le gusta regalar, y en esta ocasión me ha regalado un libro que me ha iluminado: El beso de Judas. Fotografía y verdad del gran Joan Fontcuberta. En este libro leí la siguiente frase:

“A menudo incluso los estafadores no son ni mucho ni menos conscientes de serlo; a menudo se estafa con la mas beatífica voluntad en numerosos ámbitos por los que discurre nuestra vida: en la familia, en el colegio, en la iglesia, en el trabajo, en el sindicato, en los media…Por que estafar significa decidir por los demás, esconder la diversidad de opciones de que se dispone” (2011:97)

y no puede mas que enlazarla con el trabajo que estoy haciendo este verano que fundamentalmente es escribir un libro nuevo sobre la rEDUvolution. Justo en el capítulo que estaba escribiendo tiene por nombre Pedagogía y verdad y en el reflexiono sobre la idea del ejercicio de la pedagogía como simulacro, sobre la idea de que la pedagogía puede entenderse como una herramienta al servicio de la verdad pero, de la misma manera que ocurre con todo lo que nos rodea, la autoridad de lo académico infiere a la información que se distribuye en un acto pedagógico la categoría de verdadera cuando ha llegado el momento en el que debemos de aceptar que la mayoría de los currículums son mentira en un mundo donde nunca ha existido la verdad.

De igual modo en que una imagen parece cierta (la obra de Joan Fontcuberta gira toda entrono a este tema) debido a lo que Roland Barthes denomina el efecto realidad, la pedagogía también se encuentra dotada de este efecto. Todo aquel contenido que aparece inmerso en un acto pedagógico, inmediatamente queda percibido como verdad. Ocurre lo mismo que si vemos un informativo, o oímos la radio: son relatos construidos con fines muy concretos que el sistema de transmisión a través del cual llegan hasta nosotros (el periodismo y la pedagogía profesionales) les otorgan de manera automática la cualidad de ciertos.

Considero que este es uno de los trabajos más importantes que debemos hacer desde la rEDUvolution: de igual manera que Fontcuberta nos dice la fotografía es una cuestión de fe, en la rEDUvolution es necesario aceptar la pedagogía como una cuestión de fe, aceptar como una decisión personal el fiarnos de lo que los profesores, los libros, los vídeos dicen o, por el contrario, no fiarnos en absoluto y aceptar la idea de la pedagogía como un fraude. Y, dentro de esta concepción de lo educativo, tendría un papel central el profesor como estafador reconocido, el profesor que reconoce que la objetividad no existe ni en la ciencia, ni el arte, ni en la política, ni en el periodismo ni, por supuesto, en la pedagogía. De la misma manera que como ciudadanos debemos de sospechar las imágenes (recordemos las falsas imágenes de la luna) y del resto de la información que nos llega a través diferentes lenguajes, es absolutamente necesario que sospechemos del currículum y que reflexionemos sobre la idea de verdad dentro de los actos pedagógicos que acometemos como profesores.

De un libro a otro libro, de dos libros editados a otro por editar, de la fotografía a la pedagogía, de las artes visuales a la educación, de Mondrágón a Almería, de Xavi a Joaquín, de Tonino a Paz y de Sol a Amaia. Los rizomas siguen creciendo y multiplicándose con inmenso placer. 

Solo tenemos que regarlos, con libros por ejemplo. 

2012 Contra la educación bulímica

MARÍA ACASO PROFESORA DE EDUCACIÓN ARTÍSTICA

"Hay que acabar con la educación bulímica en la que te atiborras de datos, los vomitas en el examen y te olvidas"

Dice que en el arte es un error ir a entenderlo todo, y que hay miedo al complejo de inferioridad, a reconocer que necesitamos aprender a mirar el mundo de otra manera. Y lo necesitamos. Eso sí, aprender activamente, no sentarnos a esperar que nos enseñen, defiende María Acaso

PAULA ECHEVERRÍA - Miércoles, 13 de Junio de 2012 - Actualizado a las 05:09h.

PAMPLONA. Después de siglos y siglos con el arte por encima del individuo y no a su lado, ¿cómo se logra el acercamiento entre ambos?

Con una educación artística comprometida, con cambios de formato, innovadora. Es la que hace que por fin el visitante entienda que analizar una obra de arte no es averiguar qué quiso decir el autor, sino construir su propio relato sobre la obra.

¿Quedan en España muchos museos de esos ante los cuales nos sentimos ignorantes sin remedio?

Por desgracia sí. El cambio se da más en los de arte contemporáneo, pero en los que son de artes visuales tradicionales todavía cuesta mucho llevar a cabo estrategias diferentes.

Hemos llegado a esta crisis de valores por la cultura del competir y parece que nos empujan a salir de esta compitiendo aún más...

Claro, ahí vuelvo a la educación. Si la escuela en vez de fomentar el competir fomentase el compartir, como adultos en las empresas también sentiríamos que eso es lo importante.

¿No es difícil dar hoy una educación de calidad con tantos recortes?

No tiene que ver con lo económico, sino con el cambio de paradigma. En la formación del profesorado tiene que empezar a haber diferentes clases y metodologías, hay que atreverse a hacer cosas nuevas, porque lo que hay no sirve. En la escuela tradicional no se aprende, se da una educación que yo llamo bulímica: te atiborras de datos, los vomitas en el examen, y al día siguiente te olvidas.

He leído en su blog una frase que me ha gustado: "Educar es dar lo que no se tiene". ¿El primero que aprende y descubre cosas es el educador?

Efectivamente. Esa frase es de Elizabeth Ellsworth, que es mi pedagoga de cabecera, y representa la idea de que el conocimiento está en todos nosotros, entonces un buen profesor lo que hace es darte la capacidad para que tú lo descubras y lo pongas en funcionamiento, más que embutírtelo como si fuera un chorizo...

¿Cómo debería ser la educación artística contemporánea?

Tiene que focalizarse en el análisis y la reflexión, que es lo que la une directamente al arte contemporáneo, y no tanto en las técnicas y en la producción, que es en lo que se ha centrado tradicionalmente.

Después de haber trabajado en muy diversos países, ¿cómo ve España en lo que respecta a su profesión?

Pues veo que el problema es que seguimos con una tasa muy alta de fracaso escolar porque España es bastante tradicional con respecto a la escuela, nos cuesta mucho innovar. Y también por la apreciación social del trabajo profesoral. Cuando se habla de que Finlandia tiene muy buenos resultados, es porque los profesores finlandeses están súper bien pagados y súper bien reconocidos socialmente, y esto no ocurre en España, donde hay una gran feminización del colectivo docente, que cobra mucho menos de lo que debería de cobrar.

¿Qué asignaturas quitaría y cuáles pondría en su lugar en el sistema educativo?

Quitaría el concepto asignatura. Sobre todo la asignatura estanca, encajonada. Hay que crear redes de conocimiento que se puedan utilizar en diferentes momentos. Quitaría también las estructuras cerradas de las clases con las puertas y crearía espacios amplios... Hay que darle un giro del 100% al sistema educativo.

¿Lo ve posible?

Yo creo que somos cada vez más los profesores que queremos ese cambio, y que se llevará a cabo.

2012 Supercalifragilisticoespiralidoso: o dándome cuenta de que el cambio de paradigma ya está aquí

Desde el día 20 de Marzo los acontecimientos relacionados con la educación artística han sucedido sin parar por lo que dedicaré tres post sucesivos a los diferentes eventos en los que he participado, de manera que hoy empezaré con lo que aconteció entre los días martes veinte y jueves veintitrés de Marzo.

El martes veinte de Marzo empecé el día muy pronto cogiendo el tren para ir a Pamplona, donde me esperaba Amaia Urzáin (profesora de la Universidad de Mondragón y una de las profesionales que conoce más a fondo el mundo de la educación en museos de artes visuales en España) con quien iría hasta el Centro Huarte (CH) para tener una reunión con el equipo directivo. La comprobación de que el cambio de paradigma ya está aquí, la experimentamos cuando: 1. el subdirector del centro Koldo Sebastián, nos explicó que también era el coordinador del DEAC y cuando 2. el director, Javier Manzanos, se quedó y estuvo super activo en una reunión centrada en los programas educativos del centro. Aunque parezca extraño, estas dos acciones marcan el inicio del cambio de paradigma en el terreno de la educación en museos, por un lado, porque normalmente los responsables del los DEACS nunca tienen tanto poder como para llegar a ser subdirectores y, por otro, porque cuando las personas dedicadas a la educación llegamos a un centro, normalmente el director no baja a saludarnos. Un poco más tarde se unió a nosotros Betisa Ojanguren (profesora de la UPNA y una de las educadoras del CH muy experimentada) y entre todas estuvimos reflexionando esobre el desarrollo del proyecto Puenting, un programa todavía por diseñar donde el arte contemporáneo sirva de puente entre museo y escuela. La reunión fue súper interesante y muy cálida porque desaparecieron las jerarquías y la sensación fue la de estar entre amigos.  

Tras la visita al CH, Amaia, Betisa y yo cogimos el coche y hablamos sin parar durante la hora de distancia que separa Huarte de Vitoria, ya que nuestro objetivo era ir a Artium para asistir al Laboratorio de Imágenes Obliteradas organizado por Laura Trafi. Yo tenía muchas ganas de conocer a Laura, una de las profesionales más interesantes de la educación artística en España, donde residía antes, y en EEUU donde reside en la actualidad. Entre otras muchas cosas, admiro a Laura por la traducción de dos libros fundamentales para mi: Posiciones en la enseñanza y Encuentros en el museo feminista virtual. Gracias a la excelencia de su traducción podemos leerlos oyendo prácticamente a las autoras. El Laboratorio de Imágenes Obliteradas volvió a dar fe, otra vez, del cambio de paradigma desde dos puntos de vista: en primer lugar, sucedió en una de las salas del museo (no aislados en el aula didáctica) y fue increíble el momento en el que nos trajeron una de las obras que necesitábamos, directamente desde los almacenes; en segundo lugar Laura vino hasta Vitoria en calidad de artista, ya que el laboratorio es una pieza dentro de la exposición Estancias (prácticas retituyentes sobre la colección Artium), pieza que diluye las fronteras que tanto empeño tenemos en borrar: artista/euducadora, obra/actoeducativo, publico/estudiantes, museo/escuela. Desde este punto de vista, esta acción tiene lugar precisamente en el medio de los ocho elementos citados: representa el cambio hacia la dilución, la importancia que lo pedagógico está adquiriendo en los centros de arte y, por encima de todo, la intelectualización de las prácticas relacionadas con la educación artística centradas en el análisis y la reflexión, así como en la producción con procesos contemporáneos como el vídeo. Rescato una de las ideas de Laura: “Hemos de trabajar la imagen como habilidad cívica en vez de cómo competencia estética, entonces ser espectador cambia a favor de luchar por los derechos civiles”.

Los dos días siguientes sucedieron en Bilbao donde aparecieron en escena nuevos compañeros de viaje: Imanol Aguirre (colega del área en la UPNA), Lura Baigorri (Profesora de Video Arte en la UB), José Ramón Alcalá (especialista en Arte y Nuevas Tecnologías de la Facultad de BBAA de Cuenca) y Mara Díaz (especialista en Didáctica de la Música de la UPV). Con todos ellos pasé dos días increíbles saltando desde el siglo XIX al XXI ya que estábamos en un tribunal que nos anclaba en el paradigma anterior al tiempo que hablamos y visitamos lugares como el Centro Cultural Alhondiga que nos situaban en la dirección del cambio al mezclar, en un espacio diseñado por Philippe Stark, bibliotecas, salas de artes visuales y PISCINAS…Aprendí muchísimo de mis compañeros. 

Cansada pero contenta volví a Madrid disfrutando de la sensación de que el cambio que estamos reclamando desde las aulas está comenzando a suceder en la realidad de manera que casi, casi me siento como una Mary Poppins posmoderna (pero sexuada por favor) y soy capaz de decir supercalifragilisticoespiralidoso y de traducirlo quizás como: el cambio de paradigma ya está aquí.